Gefangen in Strukturen

In meiner Arbeit als Coach für Führungskräfte und Teams begegnet mir immer wieder ein spannendes Thema: Strukturen, in denen wir uns bewegen – und die uns manchmal stärker festhalten, als uns bewusst ist.

Oft spüren wir nur, dass sich etwas nicht richtig oder nicht stimmig anfühlt. Was genau dahintersteckt, bleibt zunächst unsichtbar.

Genau daraus entstand die Idee zu dieser Fotoausstellung. Mich beschäftigte die Frage: Wie lässt sich dieses Gefühl des Gefangenseins sichtbar machen? Wie können unterschiedliche Perspektiven auf Strukturen entstehen, die uns begrenzen, prägen oder festhalten?

Für die Ausstellung habe ich mehrere fotografische Kolleginnen und Kollegen gefragt, ob sie sich mit diesem Thema auseinandersetzen möchten. Der Titel sorgte anfangs durchaus für Irritation – entwickelte sich dann aber zu einer spannenden Herausforderung, die mit ganz unterschiedlichen Ideen und Blickwinkeln umgesetzt wurde.

Entstanden ist eine vielseitige und besondere Ausstellung.

Thomas Dawideit

Führungen mit Thomas Dawideit gerne samstags zwischen 10 und 12 Uhr und nach telefonischer Absprache unter 0171 480 67 78

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FASHIONABLE  TRADITIONS

Ausstellungskonzept: Styling
In meiner künstlerischen Arbeit beschäftige ich mich mit Begegnungen zwischen Afrika und Europa auf der Ebene des Blickes. Wie sehen wir AfrikanerInnen? Wie zeigen Sie sich uns? Wie inszeniere sie sich in Bezug auf den globalen Blick? Dabei spielt das sogenannte Styling eine zentrale Rolle. Das ist ein Begriff, der in der Wissenschaft benutzt wird, um die spezifischen Kleidungspraktiken zu definieren, die sich von Mode unterscheiden. Zum Styling gehört die Assemblage, das Fluktuierende und vor allem das Performative. Es geht nie um einen bestimmten Geschmack, sondern um die Fähigkeit, sich in einem bestimmten Kontext selbstbestimmt sichtbar zu machen und durch die gelungene Komposition von Kleidung, Accessoires, Körperbewegungen zu glänzen, zu bestechen, zu verführen. AfrikanerInnen und Menschen der afrikanischen Diaspora lavieren zwischen Anpassung und Anerkennung durch den Mainstream auf der einen Seite und der Betonung der Differenz, der Produktion von Überschuss, die rebellisch, subversiv, ironisch sein kann, auf der anderen Seite. Während wir im Sinne der christlichen Normen seit der Aufklärung zum Understatement erzogen wurden, geht es beim Styling um das Übertreiben, die zu mehr Sichtbarkeit führen soll. Die Unterscheidung von außen und innen, die wir praktizieren und die mit einer Abwertung der Oberfläche als oberflächlich einhergeht, gilt so in Afrika nicht. In afrikanischen Gesellschaften werden der Körper und die textile Oberfläche als zentrale Kulturressource eingesetzt und als Strategie des individuellen und kollektiven Empowerments genutzt.

Ich lasse mich inspirieren von dem vielfältigen visuellen Material aus den sozialen Medien, der afrikanischen Kunstfotografie und meinem eigenen Fotoarchiv, das ich mir im Laufe der Jahrzehnte während meiner Langzeitreisen aufgebaut habe.

Meine Bilder stellen eine Kombination aus Malerei, Schablonendruck, Paper Cuts und Collage dar.

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„Begegnungen / L’incontro“

„Begegnungen / L’incontro“

In der gemeinsamen Ausstellung von Paolo Moretto und Rolf Naedler im Kunstkreis Schenefeld werden Malerei, Mixed Media und weitere künstlerische Techniken zu sehen sein.

Was die in Hamburg lebenden Künstler verbindet, ist das Interesse am Kunstschaffen, und die Vorliebe für Muster und Variationen. Ihre Herangehensweise und die einzelnen Arbeitsprozesse unterscheiden sich dabei sehr:

Paolo Moretto sagt über sich: „Ich persönlich verfolge in meiner künstlerischen Arbeit eine anachronistische Botschaft (ein griechisches Wort, das „gegen die Zeit“ bedeutet). Ich arbeite mit Mischtechniken, Öl, Lack und Collage auf Leinwand oder Papier. Ich begann als Bildhauer und habe mich im Laufe der Jahre auch der Malerei zugewandt. Meinen weiteren künstlerischen Ansatz überlasse ich, mit aufrichtiger Offenheit, dem Publikum.“ 

Rolf Naedler definiert seinen künstlerischen Schaffensbegriff wie folgt: „Meine Kunst beruht auf der Beobachtung und Sammlung in und aus meiner Umwelt. Mich interessieren aber auch kulturhistorischen Phänomene und Zusammenhänge. Ich entwickle Muster und kombiniere diese mit isolierten Pflanzen oder Tieren oder anderen Objekten. Absicht und Zufall fließen im Malprozess ein, der bei der Werkentstehung auch eine wichtige Rolle spielt.“  

 

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„Stück für Stück“

„Stück für Stück“

Papier ist Ursache, Thema und Material der Arbeiten von Inken Geertz.

Papier bleibt nicht Papier, es bildet Fläche, Körper und Raum, ist genutzt, bearbeitet. Es zeigt Transparenz, Struktur und Schicht.

Inken Geertz liebt Papier, und zwar jede Sorte. Diese Papiere bearbeitet sie mit den unterschiedlichsten Techniken wie z.B. Frottage, Hochdruck, Stempeldruck, Tiefdruck, Übermalungen, Überzeichnungen, Scherenschnitt.

Ihr Interesse gilt besonders dem bereits gebrauchten Papier und seinen vielfachen Möglichkeiten. Geht es zunächst um Durchdringung und Transparenz in Bildern, so werden es bald papierene Objekte. Es folgen thematisch orientierte Serien mit kleinen gefalteten Hemden aus eben diesen Gebrauchspapieren.

Seit einigen Jahren sind es nun auch reliefhafte Papierlandschaften. Diese befinden sich in einem Spannungsfeld zwischen Assoziation, Zeichenhaftigkeit und Bildzitat.

Momentan erprobt sie abstraktere Darstellungsformen, die auch dreidimensional werden können.

Inken Geertz recycelt gebrauchtes Papier und alte Pappe und überführt das Material so in eine neue künstlerische Nutzung.

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„KONTRASTE“

„KONTRASTE“

Beide Künstlerinnen haben ihre Kunstausbildung im Kunsthaus Schenefeld bei Marianne Elliot-Schmitz gemacht. Während Christiane Wythe die Acrylmalerei mit der Collage verbindet, bleibt Uschi Schreiner konsequent bei der Acrylmalerei. Doch beide erhalten vom genauen Motiv die wichtigen Linien und Farben und entwickeln daraus eine abstrakte Komposition. Die Kontraste entstehen durch die verschiedenen Techniken, den unterschiedlichen Farbpaletten sowie der verschiedenen Motive der beiden Künstlerinnen.

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„WAS SICH ZEIGT“

„WAS SICH ZEIGT“

Die Vielfalt der Natur und die Spuren des Lebendigen prägen die Arbeiten der Textilkünstlerin Julia Hühne-Simon. Unter dem Titel „WAS SICH ZEIGT“ präsentiert der Kunstkreis Schenefeld vom 5. Juni bis 12. Juli 2026 ihre textilen und mixed-media-basierten Bilder, Objekte und Assemblagen aus Wolle, Seide und vielfältigen Geweben und Fasern. Experimentelle Materialkombinationen, haptische Oberflächen sowie das bewusste Erkunden von Textur und Tiefe eröffnen vielschichtige Räume. Sie erzählen von organischen Formen und Strukturen, die sich entfalten, wachsen und verwandeln.

„Die Verwandlung von Leben und Natur sichtbar zu machen und dem Großen im Kleinen nachzuspüren, steht im Mittelpunkt meiner Arbeit“, sagt die Künstlerin. Im Arbeitsprozess bewegt sie sich zwischen Konkretem und Abstraktion, zwischen Naturform und Interpretation: eine künstlerische Annäherung an die Dynamik von Wachstum und Wandlung. Mit der Verwendung von Papier aus Pilzen erweitert sie den Dialog zwischen Naturbeobachtung und Gestaltung sowie Material und Technik. Ihre Bild- und Objektwelten laden zum Entdecken ein und werfen Fragen auf – nach der Verbundenheit allen Lebens sowie der Verantwortung des Menschen gegenüber seiner natürlichen Umwelt.

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„Stadtansichten“

Am 24. April eröffnet der Kunstkreis Schenefeld die Ausstellung „Stadtansichten“ mit der Künstlerin Hanna Malzahn und des berühmten peruanisch-französischen Architekten Carlos Montúfar.

Der Künstler lebt und arbeitet seit dreißig Jahren in Hamburg. Die Bauten in seiner Wahlheimat sind ihm vertraut, zahlreiche von ihnen hat er selbst realisiert. Auch künstlerisch setzt sich Carlos Montúfar mit den Gebäuden, Kirchen, Türmen und Straßenzügen Hamburgs auseinander. Es sind großartige und faszinierende Arbeiten in Aquarelltechnik, gegenständlich, detailreich und wunderschön in Farbe und Form.

Auch an dieser Stelle sei auf das Buch von Carlos Montúfar, Hamburg. Aquarelle und Skizzen, Hrsg. V. Dirk Meyerhöfer, Junius Verlag) verwiesen.

Hanna Malzahn arbeitet seit Jahren immer wieder an einer umfangreichen Serie zum Thema „Urbanität” und „Architektur“. Die Darstellungen umfassen Bauwerke, Gebäude- und Brückenfragmente, verfremdete Stadtansichten und Ruinen, immer im Spannungsfeld zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion mit Elementen der Druckgrafik, der Illustration und der Collage in Verbindung mit Malerei.

Es sind Arbeiten, deren Bildidee die Grenze zwischen Realität und Fiktion verschwimmen lassen. Sie lösen Architekturelemente auf, um sich neu zu erfinden und neu zu positionieren.

Fragmentarisch sind Collagen aus Papier, wie Drucke und Zeichnungen eingearbeitet, die sich durch Übermalung und zeichnerische Erweiterungen sowie durch eine angleichende Farbgebung in die Gesamtkomposition einfügen.

Sie integrieren vielfältige architektonische Stile und Perspektiven und lassen die Welt zusammenrücken, schaffen Verbindungen und Vernetzungen und überwinden Grenzen.

Die Bilder haben einen Bezug zu menschlichen Grenzsituationen und fragen nach der Bewohnbarkeit der Megastädte und Ballungszentren mit der Anonymität und Einsamkeit des einzelnen. Themen wie Heimat, Ver- und Entwurzelung, das Wohnen im Baukastensystem, Kälte, Anonymität und Isolation werden hintergründig in Szene gesetzt.

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Was siehst du?

Ein interaktives Kunstprojekt

Was siehst Du?

Heidegrit Gröning und Gruppe 8 laden ein zum interaktiven Kunstprojekt „Was siehst Du?“.

Titellos werden die Exponate präsentiert. So hat jeder Betrachter die Möglichkeit, als ersten Schritt mit eigenen Augen, mit persönlichen Erfahrungen zu sehen. Er kann Titel geben, Geschichten schreiben, sich mit anderen austauschen. Auch die vom Künstler vergebenen Titel stehen zur Verfügung.

Heidegrit Gröning und die Gruppe 8 zeigen Werke, die der Phantasie freien Lauf lassen. Der Entstehungsprozess hat seinen Ursprung in den Eigenschaften des verwendeten Materials. Die Künstler lassen sich auf das ein, was entsteht und kommen so – schrittweise – zum Ergebnis. Ein nicht immer einfacher Prozess. So sind z.B. Tiere entstanden, die in keinem Biologiebuch stehen.

Schreiben vor Ort ist möglich. Der Austausch mit Kindern / Kindergruppen ist ausdrücklich gewünscht. Künstler werden während der Ausstellungszeit (27.3.26 – 18.4.26) immer am Samstag zwischen 17 und 19 Uhr vor Ort sein, und nach Vereinbarung (info@heidegritgroening.de).

Leonid Klimaschewski (Akkordeon) wird die Vernissage am 27.3.26 (18 Uhr) auch musikalisch mit Improvisationen zu Werken bereichern.

Bei der Finissage am 18.04.26 (17 Uhr) wird die „Schreibwerkstatt“ Texte und Geschichten, die zu den Bildern und Objekten entstanden sind, vorlesen.

Wir freuen uns auf viele Besucher!

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Jörg de Wolff  stellte bereits in den vergangenen Jahren seine Werke in der Galerie aus. Erneut handelt es sich um selbstgebaute kleine Schaukästen, in denen de Wolff Inhalte präsentiert, die aus dem alltäglichen Leben, Film und Fernsehen und der Politik stammen. Die hohe Resonanz motivierte ihn, neue Miniaturen zu erschaffen. Zum Einsatz kommen Figuren aus dem Eisenbahn-Modellbau im Maßstab 1:87. Er greift selbst zu Farbe und ganz feinem Pinsel um die Figuren entsprechend zu bemalen.

Die Idee zu dieser besonderen Form kam dem Künstler nach seinem Ausscheiden aus dem Beruf. Als passionierter Zigarrenraucher kam ihm der Einfall, die geleerten Zigarrenkisten mit kreativem Leben zu füllen. Bei der Weiterentwicklung seiner Werke kam er auch auf die Nutzung von LED-Licht, um seine Darstellungen illuminieren zu können und ihnen so einen intensiveren Ausdruck zu verleihen.

Jörg de Wolff kreiert eigene Wortspiele für seine Kunstwerke, der Name ist genauso wichtig wie das Werk selbst. „Ohne Hintersinn macht es keinen Spaß“, sagt er.

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VERFLECHTUNG

Der Kunstkreis Schenefeld wurde vor 52 Jahren gegründet. Schon zwei Jahre später, 1975 wurden die „Schenefelder Aktivitäten“, eine juryfreie Ausstellung für alle Mitglieder veranstaltet. Anfangs betrug die Beteiligung 20 Personen und steigerte sich im Laufe der Jahre auf 60 Teilnehmer*innen mit über 100 Arbeiten.

Bis 2018 fanden die Ausstellungen alle 2 Jahre statt. 2020 fiel die Ausstellung wegen der Pandemie aus. Seitdem hat das Rathaus seine Türen für unsere Ausstellungen geschlossen, der Eigenbedarf der Verwaltung ist hoch und eine ständige Umräumung des Gestühls ist nicht mehr wirtschaftlich. Daher verlegen wir die „Schenefelder Aktivtäten“ in das VHS-Gebäude und starten einen neuen Versuch!

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ABSTRAKTE MALEREI

13 MalerInnen aus dem Kreis Pinneberg und Hamburg, die in ihrer Freizeit sowie regelmäßig im Atelier von Anja Badners kreativ arbeiten, zeigen in dieser Ausstellung eine Auswahl ihrer Werke. Sie alle verbindet die Faszination für abstrakte, experimentelle Malerei sowie Mixed-Media-Techniken und das Interesse am gegenseitigen Austausch.

Die Künstlerin Anja Badners bietet in ihrem Atelier in der Alten Leimfabrik in Schenefeld regelmäßig Kurse und Workshops für abstrakte Malerei zu den Themen Strukturen, Schichten und Rost an. Die Teilnehmenden haben in diesem Rahmen individuelle Themen und ihre eigene Bildsprache entwickelt.

Die Leinwandbilder auf Keilrahmen entstehen mit Acrylfarben und Spachtelmasse sowie Beimischungen von Materialien wie Asche, Marmormehl oder Rostpartikeln, zum Teil werden Papier, Naturmaterialien oder Fundstücke integriert.

Anja Badners: „Neben der Vermittlung verschiedener Techniken und der Bestärkung der Experimentierfreude ist es mir besonders wichtig, die individuelle Themen- und Bildfindung der TeilnehmerInnen meiner Atelierkurse zu unterstützen.“

In den abstrakten Werken spielt die Materialität eine besondere Rolle. Die Bilder entstehen durch den Auftrag und teilweise auch Abtrag mehrerer Farb- und Materialschichten. Durchbrochene Schichten geben den Blick auf Darunterliegendes frei, die unterschiedlichen Strukturen der Schichten und eingearbeitete Materialien gehen spannungsreiche Verbindungen ein, Lasuren heben dadurch entstandene Strukturen hervor.

Die Arbeiten konzentrieren sich zum Teil auf Strukturen, Materialität und Oberflächenbeschaffenheiten, auf natürliche, reduzierte Farbgebung, einige auch auf starke Kontraste und Farben. Dabei lassen die abstrakten Bilder jedoch auch Assoziationen zu unserer natürlichen oder urbanen Umwelt zu sowie zur Vergänglichkeit und den Spuren der Zeit.

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